«Cuando se alcanza un alto grado de desarrollo de la sensibilidad, los objetos y los seres adquieren un valor interior y, finalmente, un sonido interior.» (De lo espiritual en el arte)
Wassily Kandinsky
Frantisek Kupka fue el primer pintor que expuso imágenes totalmente abstractas. Profundamente interesado por los pensamientos científicos y filosóficos más importantes de su época, la mitología y la filosofía antigua, consideraba que el artista tenía la función de descubrir la verdad universal latente en todos los objetos y seres. Creía en la existencia de un principio integral que regía todas las cosas interconectándolas entre sí.
En Kupka convergen:
- Una admirable capacidad sintética, que le permite establecer relaciones entre campos «opuestos» del conocimiento en la búsqueda teosófica de una realidad integral que lo conecte todo.
- El interés por la representación cinética de la pintura, plasmando la forma en varias dimensiones.
- Una visión microscópica y macroscópica de la realidad que le lleva a la visualización del fractal en sus obras y a pintar la música de las esferas a principios del siglo XX.
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| «Creación» (1920). Óleo sobre lienzo. 115 x 125 cm. Národni Galerie. Praga. | ||
| «Fuga en dos colores» (1912). Óleo sobre lienzo. 22,9 x 23,4 cm. Museo de Arte Moderno. Nueva York. | ||
| «Elogio» (1912). Óleo sobre lienzo. 89 x 108 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. París. |
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| «Discos de Newton» (1912). Óleo sobre lienzo. 49,5 x 65 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. París. | ||
| «Alrededor de un punto» (1930). Óleo sobre lienzo. 194 x 200 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. París. | ||
| «Discos de Newton. Estudio de fuga para dos colores» (1911). Óleo sobre lienzo. 77,5 x 73,8 cm. Museo de Arte de Filadelfia. | ||
En su interés por hallar un modo de expresión artístico de las cuestiones intangibles, dinámicas y complejas que le interesan, Kupka llega al desarrollo de la abstracción en la pintura. Si a ello unimos, además, los principios enunciados antes, no es de extrañar que hallase una vía de expresión en la música.
Muchas de sus obras con títulos musicales van más allá de ser meras representaciones de temas musicales o canciones. Son pinturas abstractas basadas en composiciones musicales que se generan a través de la reiteración de melodías en diferentes tonalidades de manera que, a medida que se desarrollan en el tiempo, van entrelazándose con diversos conjuntos de notas que se van repitiendo consecutivamente a lo largo de una canción.
Kupka desarrolló un método de pintura mediante el cual establece un paralelismo con la composición musical. Según sus propias palabras:
«a través de una sola forma en varias dimensiones y disponiéndolas de acuerdo a consideraciones rítmicas, obtengo una sinfonía que se desarrolla en el espacio como hace una sinfonía en el tiempo».
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| «Piano, teclado, lago» (1909). Óleo sobre lienzo. 79 x 42 cm. Národni Galerie. Praga. | ||
| «Amorfa: Fuga en dos colores» (1912). Gouache y tinta sobre papel. 35,9 x 37,8 cm. Museo de Arte Moderno. Nueva York. |
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| «Nocturno» (1910). Óleo sobre lienzo. 66 x 66 cm. Colección privada. | ||
Kupka convierte el lienzo en una partitura, componiendo con formas y colores como si de notas, compases o claves se tratara. Obtiene resultados cinéticos, vaporosos. Formas y colores fluyen rítmicamente creando un conjunto cromático y sonoro.
Kupka es capaz de hacer evolucionar las formas musicales a formas plásticas. Se convierte, por tanto, en un avezado traductor del lenguaje musical al pictórico.
vitamina gráfica 
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Qué interesante es Kupka y los colores musicales, al igual que las potwncialidades emotivas del color que habla Kandinsky, creo que también resulta de capital importancia el ver que lo que pretenden hacer estos artistas, no es traducir el «lenguaje técnico musical», sino precisamente mostrar los «gestos musicales», hacer viaible por medio de los colores las fuerzas primigenias latentes y constitutivas creativamente: música de las esferas.
Gracias por tu comentario. Me parece muy acertado. La grandeza de Kupka está, en mi opinión, en haber llegado a la abstracción plástica como un proceso paralelo a la evolución de su pensamiento y su percepción sintética y relacional del mundo. Un saludo
Exacto, creo que se presta mucho para ver la progresion en su obra de Kandinsky Klee y Kupka, lo que se dice en «De lo espiritual en el arte», cuando Kandinsky habla que el desarrollo del arte y del artista pasa por tres momemntos para llegar a la punta de la pirámide de lo espiritual: primero está la etapa figurativa del artista y del arte, después la introspectiva y por último la espiritual. Me parece que Kandinsky tuvo una vision muy acertada en ese aspecto, que se ve en su pensamiento y su obra. También me encanta la relación que hay entre música y pintura en estos autores.
Gracias por tu comentario. «De lo espiritual en el arte» es una obra importante por muchos motivos. Uno de ellos es la manera tan acertada en la que Kandinsky describe la relación del artista con el entorno. Otro es la relación que establece entre colores y sentimientos, sensaciones y sonidos, que le permite describir cada uno con cualidades que los personaliza y que los define por su comportamiento expresivo y visual.