Postales orgánicas V

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Wassily Kandinsky. “Varios círculos” (1926). Óleo sobre lienzo. 140,3 x 140,7 cm.
Museo Guggenheim. Nueva York.

Era grande. Mejor dicho, era enorme. Se le podría llamar gigante o colosal sin exagerar en absoluto y, aún así, nada de lo que decía tenía la más mínima repercusión en los demás.
“Será que mis ideas no son originales o están pasadas de moda”, pensaba. “Tal vez mi oratoria no es muy convincente o soy poco expresivo”, dudaba.
Lo cierto es que a pesar de su contundente presencia pasaba totalmente desapercibido. Daba la impresión de que, en algún instante impreciso, se integró involuntariamente en el entorno como una parada de autobús abandonada o un objeto cotidiano que no se utiliza.
Cansado de tanta indiferencia, se marchó. Soltó las amarras que le anclaban a aquel lugar y comprobó, para su sorpresa, que se elevaba sin ningún esfuerzo. Subió y subió hasta estar inmerso en una nada de color azul cobalto oscuro. Por primera vez en su vida no se sentía solo aunque no había nadie a su alrededor. Notó cómo crecía algo bueno, redondo y luminoso en su interior y tuvo la necesidad de cantar. Mientras tarareaba sin pensar, una voz le dijo:
– Cantas bien, ¿sabes?
Se volvió y se topó con alguien muy grande, de hecho era enorme, aunque no tanto como él.
– En serio, ¿te gusta? -preguntó.
– Por supuesto -respondió-. ¿De dónde vienes?
– De un lugar en el que nadie me escuchaba -dijo con cierta amargura.
– Eres una esfera como yo y como todos los de por aquí. Seguramente no eran capaces de oirte -concluyó.

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Kupka, Kandinsky, Klee (II)

“En general, el color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma. El color es la tecla. El ojo el macillo. El alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que, por esta o aquella tecla, hace vibrar adecuadamente el alma humana.” (De lo espiritual en el arte)

Wassily Kandinsky

Kandinsky ya era un pintor figurativo consolidado cuando, en 1910, cambia el modo en el que se enfrenta a la pintura, olvida “lo que sabe” y comienza a poner manchas de color y garabatos en un papel. Se propone regresar a la etapa de desconocimiento del mundo en la que las cosas aún no tienen nombre y cualquier hallazgo es un descubrimiento, en la que se gesta la experiencia estética primigenia que pasará a formar parte del inconsciente a medida que se desarrolla el aprendizaje del entorno y el pensamiento racional.

primera acuarela abstracta de kandinsky
“Primera acuarela abstracta” (1910). 50 x 65 cm.
Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou. Paris.

El artista, según Kandinsky, necesita recuperar ese estado de gracia, al margen de las exigencias miméticas del arte figurativo, para restablecer el contacto con su ámbito espiritual y poder expresar su mundo interior.

Wassily Kandinsky comienza esta “regresión” considerando el soporte pictórico como un campo que, aunque posea unos límites físicos concretos, invita al “todo es posible” a través de la experimentación. Se trata de una acción gestual, fruto de una intuición instintiva que nada tiene que ver con el primitivismo. Consiste en probar medios plásticos y técnicos con la intención de prolongar el propio cuerpo y expresar la vida interior.

Este campo de infinitas posibilidades, que parece haber sido recortado de otro de mayores dimensiones, necesita organizarse para adquirir la capacidad de comunicación, además del poder de expresión que ya posee.

Kandinsky se encarga de ordenar este campo y sus elementos de acuerdo con un sistema compositivo visual. Transforma las manchas repetitivas y los garabatos en elementos plásticos básicos dotados de un significado. Progresivamente, sus trabajos pasan de ser el resultado de una intuición instintiva a ser el fruto de una intuición intelectiva, convirtiendo el campo de experimentación inicial en espacio visual organizado. Dentro de esta evolución, el propio artista distingue tres tipos de obras:

  • Impresiones.- Impresión directa de la “naturaleza externa”, expresada de manera gráfico-pictórica.
  • Improvisaciones.- Expresión principalmente inconsciente, generalmente súbita, de procesos de carácter interno, es decir, impresión de la “naturaleza interna”.
  • Composiciones.- Expresión de tipo parecido, pero que se crea con lentitud extraordinaria y es analizada y trabajada largamente después del primer esbozo. Factores determinantes: razón, conciencia, intención, finalidad.
Impresión 3 Impresión 5
“Impresión III Concierto” (1911). Óleo sobre lienzo. Städtische Galerie im Lenbachhaus. Munich.
“Impresión nº 5” (1911). Óleo sobre lienzo. 106 x 157,5 cms. Centro George Pompidou. París.
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“Improvisación nº 7” (1910). Óleo sobre lienzo. 131 x 97 cms. Tretyakov Gallery. Moscú.
“Improvisación nº 26” (1912). Óleo sobre lienzo. 97 x 107,5 cms. Städtische Galerie im Lenbachhaus. Munich.
Composición 4 Composición VIII
“Composición IV” (1910-1913). 159,5 x 250,5 cms. Óleo sobre lienzo. Kunstsammlung Nordrhein-Westfallen. Düsseldorf.
“Composición VIII” (1923). 140 x 201 cms. Óleo sobre lienzo. Museo Guggenheim. Nueva York.

Kandinsky encuentra en la música el modelo a seguir por el artista plástico que desee expresar su mundo interior. La música no emplea sus medios para representar ningún fenómeno de la naturaleza. Del mismo modo, la pintura debe partir de sus elementos básicos para expresarse al margen de la figuración, afirma. En “De lo espiritual en el arte”, dedica varios capítulos fundamentales a establecer relaciones entre colores, sonidos, formas, texturas y sensaciones. Sienta las bases de una teoría del color que sigue teniéndose en cuenta en la actualidad.

Primera antinomía. Calor/Frío

antinomía primera

Segunda antinomía. Claro/Oscuro

 Antinomía segunda

Parejas de antinomías entre complementarios

Parejas de antinomías de complementarios

Expresividad musical y sensitiva de los colores

Características musicales y sensitivas de los colores
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Bibliografía:
Kandinsky, Wassily. “De lo espiritual en el arte”. 1983. Barral-Labor, S. A.
Argán, Giulio Carlo. “El arte moderno 1770-1970”. 1991. Akal.